EL GRAN VALS DE FRANCISCO TÁRREGA Y NOKIA.

El Gran Vals, una pieza para guitarra escrita en 1902, por el gran guitarrista  y compositor español, Francisco Tárrega (1852 - 1909), talvéz sea la melodia más tocada de todos los tiempos...

Aunque su amplia fama no se deba precisamente a la pieza  tocada en su forma original, sino a un corto estracto de la misma, tomada en 1993 por Ansii Vanjoki y Lauri Kivinen de la Nokia Corporation.

Esta simple y memorable melodia compuesta por trece notas ( la última de las cuales ha sido alterada respecto al original), se ha convertido en el más identificable y famoso ring tone de todos los tiempos.

El llamado "Nokia Tune", se ha globalizado de tal forma que se escucha aproximadamente, 20,000 veces por segundo, un logro nada despreciable para una pieza guitarrística compuesta a inicios del  siglo pasado.

El Gran Vals, al ser escrito especificamente para guitarra , posee elementos idiomáticos que lo distinguen de otros trabajos del mismo estilo, y posee también algunos retos en la ejecución, como mantener la fluidez y el lirismo de la melodia sin alterar el cadencioso pulso ritmo del acompañamiento en 3/4.

Es siempre interesante observar la reacción de la audiencia cuando se incluye esta pieza dentro de un recital, sobre todo cuando se toca el mencionado fragmento.

En está versión interpretada magistralmente por  David Russell el fragmento aparece en el 0.12..

HASTA SIEMPRE MAESTRO CARLOS HAYRE...

El dia de ayer 19 de Julio, falleció el maestro Carlos Hayre Ramirez, a juicio de muchos el músico peruano más ilustre de los últimos tiempos, un verdadero innovador, y pionero de la fusión de las armonias modernas del jazz con los ritmos tradicionales peruanos, plantando la semilla que más tarde germinaria en lo que ahora conocemos como jazz peruano.

Interprete, arreglista, compositor y maestro,su prolifica obra no solo se circunscribe a la música tradicional peruana, donde incursíonó en diversos generos de diferentes zonas geográficas como la costa y la sierra, sino que incluso abarca la música latinoamericana y la musica académica.

Dentro de su extensa producción discográfica, destaca su album como  solista  "Mi guitarra Peruana" donde interpreta sus propias composiciones,  además de arreglos de piezas tradicionales peruanas, mostrando su cualidades de consumado interprete de la guitarra, su  gran versatilidad y madurez interpretativa .

Para los que pudimos conocerlo y ser parte de su entorno cercano , el maestro Hayre, sintetizaba la rara fusión del alma popular  y el academicismo, por que a pesar de ser un profundo estudioso de los rudimentos teóricos de la música, y ser un   innovador e iconoclasta, era al mismo tiempo un  celoso guardián de la tradición, una aparente paradoja,  que en la obra del maestro Hayre encuentra pleno sentido y un perfecto balance.

La obra del maestro en la actualidad está lamentablemente muy poco difundida , pues de la totalidad de su extenso catálogo , quizás  solo se há grabado y editado aproximadamente un 5 %, por lo que es responsabilidad nuestra contribuir a su difusión y preservar su legado, ese es el mejor homenaje que el maestro  se merece.

Describir la importancia de la influencia  del maestro Hayre y su contribución al desarrollo y evolución de la música peruana, seria una labor extensa y ardua , es por eso que quiero terminar  esta breve semblanza parafraseando algo que escuché decir  a un músico participante en un reciente homenaje al maestro por sus 80 años..

"Gracias maestro Carlos Hayre, por poner un poco más de belleza en nuestras vidas".

FUGA BWV 998 DE J.S.BACH TOCADA EN OCHO DIFERENTES GUITARRAS.

Una entretenida manera de apreciar las sutiles diferencias tímbricas que nos ofrece cada instrumento. Excelente interpretación cortesía de David Jaggs.

LA CATEDRAL DE AGUSTÍN BARRIOS MANGORÉ, VERSIÓN PARA PIANO..

Una excelente adaptación para piano de Carlos Payés, interpretada  magistralmente por Manuel Matarrita.

XXII FESTIVAL INTERNACIONAL DE GUITARRA. LIMA - PERU

Del 14 al 19 de marzo, el Instituto Cultural Peruano norteamericano (ICPNA)  presentará una nueva edición del más importante encuentro de guitarra del Perú. Durante seis días, destacados intérpretes y compositores de América y Europa demostrarán su talento junto con jóvenes valores peruanos.

Esta edición contará con la participación de renombrados guitarristas de 10 países procedentes de Estados Unidos, Alemania, Bolivia, Italia, Chile, Ucrania, Cuba, Uruguay, España y Perú.

PARTICIPANTES:

MANUELCHA PRADO - PERÚ

“Entre los entendidos, Manuelcha Prado no solo es un excepcional ejecutor de la guitarra andina, sino un artista comprometido con la música del Perú más profundo, un conservador de melodías que suenan en los días de fiesta en los pueblos más recónditos y que él registra antes de que se las lleve el viento del olvido. Esa búsqueda lo ha llevado a trasladar canciones originalmente tocadas con arpa y con violín a la guitarra. También ha expresado en sus cuerdas la Fiesta del Agua, el wasichacuy o techado de casa, el wawapampay o entierro del niño. Hace, como muchos guitarristas andinos, etnografía musical.

Es también un autodidacta que aprendió a tocar de oído, escuchando a sus mayores hasta convertirse en un maestro. Los primeros pasos que Manuelcha dio en la música fueron influenciados por Arturo Prado, en rigor su primer maestro presencial. “No me enseñó las notas, sino que él tocaba y me decía: ‘esto es un yaraví, esto un huayno, esto una muliza’. No tuve formación académica, pero hurgar en la guitarra me permitió desarrollar una técnica propia”, cuenta. Su técnica tiene “recursos inacabables” según la opinión autorizada de Javier Echecopar, otro enorme guitarrista.

El gran Manuelcha ejecuta la guitarra, compone y canta. Sus letras hablan de injusticias, pero también de solidaridad. Lo mismo puede interpretar temas agridulces como “Trilce” o canciones empapadas de nostalgia como “Expreso Puquio” o clásicos que alimentaron su infancia y juventud como “Coca Quintucha”. Su trayectoria llega a más de 40 años de artista y en ese tiempo ha recorrido el mundo y ha alcanzado el lugar de ícono de la guitarra ayacuchana”. Texto de Raúl Mendoza.

Recientemente ofreció un concierto en los estudios Maida Vale de la BBC de Londres, convocado por el 10 aniversario del programa World Routes, donde recibió el cariño del público y la admiración del gran guitarrista Jimmy Page.

GYAN RILEY  -   USA

 

 

Gyan Riley es un talentoso guitarrista y compositor cuyo trabajo abarca el repertorio clásico, composiciones originales e improvisación. Mientras estudiaba como el primer estudiante becado de guitarra en el Conservatorio de Música de San Francisco, firmó un contrato para su primer CD de trabajos originales, Food for the Bearded, lanzado en 2002 por New Albion Records. Desde entonces, ha expandido su carrera como compositor e instrumentalista, recibiendo encargos para el Carnegie Hall Corporation, el American Composers Forum, el New York Guitar Festival, el Paul Dresher Ensemble y el Elaine Kaufman Cultural Center.

Riley ha realizado presentaciones a lo largo de Europa y los Estados Unidos como solista y en ensambles con artistas como Zakir Hussain, Michael Manring, Mike Marshall, Dawn Upshaw, la San Francisco Symphony, el Falla Guitar Trio, el World Guitar Ensemble y con su padre, el compositor/pianista/vocalista Terry Riley.

La última temporada actuó en el Carnegie Hall y realizó una gira de diez conciertos en Irlanda. Entre lo más relevante de la temporada 2009 – 2010 están sus presentaciones en Bard College y Le Poisson Rouge en Nueva York; asimismo, presentó dos nuevos trabajos como solista en el New York Guitar Festival y un nuevo cuarteto para el 15th Other Minds Music Festival en San Francisco; además tuvo una presentación como solista en el Big Ears Festival en Knoxville, TN, y encabezó el Boston Classical Guitar Society’s Festival 21 en abril.

En enero de este año, Gyan Riley realizó tres muy aclamadas interpretaciones del “Concierto de Aranjuez” de Joaquín Rodrigo con la Philadelphia Chamber Orchestra. Como profesor, Riley ha laborado en el San Francisco Conservatory of Music, California State University Sacramento, California State University East Bay y la Humboldt State University. También en enero fue lanzada al mercado por Tzadik Records su cuarta grabación de temas originales, titulada Stream of Gratitude. Más información y videos en http://www.gyanriley.com/

HAROLD BEIZAGA - BOLIVIA

Su actividad artística abarca la escritura poética y la investigación histórica musical y literaria, habiendo publicado sus escritos poéticos en antologías de poesía boliviana contemporánea, y sus ensayos y artículos en los campos de la musicología y la historiografía literaria bolivianas, en revistas de Bolivia y Europa.

Su actividad musical está marcada por la investigación historiomusicológica y la interpretación guitarrística. En este perfil, le otorgaron becas de investigación en historia de la música como el premio promovido por la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia y el Archivo y Biblioteca Nacionales de Bolivia, y otras instancias proacadémicas como el Proyecto Sucre Ciudad Universitaria y la Universidad Mayor Real y Pontificia de San Francisco Xavier de Chuquisaca.

Entre sus principales aportes de investigación en historiomusicología mencionamos la recuperación documental, reconstrucción biográfico-contextual y aproximación analítica de la obra musical de Pedro Ximénez Abril y Tirado (1780-1856), eminente músico y maestro de capilla considerado en su tiempo “el primer músico de América”.

Su actividad concertística ha tenido presencia en escenarios y festivales internacionales, tanto en su faceta de intérprete y arreglista, difundiendo principalmente la música histórica sudamericana de los siglos XVII-XX, en calidad de estreno mundial.

MAGDALENA KALTCHEVA - ALEMANIA

Magdalena Kaltcheva nació en julio de 1987 en Sofía, Bulgaria. Después de haber tomado inicialmente clases privadas con S. Vladimirov en Sofia, comenzó a estudiar con Csaba Szekely en Aachen. Desde 2000 hasta 2004 estudió en la escuela especial de música “Schloß Belvedere” en Weimar. En 2004 fue aceptada para estudiar con el profesor Jürgen Rost en la University of Music “Franz Liszt” en Weimar. Se graduó exitosamente y recibió su diploma en 2009. Actualmente, sigue estudios de maestría en la University for Music en Colonia con el profesor Hubert Käppel.

Desde el 2000 ha participado en diferentes clases maestras con Manuel Barrueco, Pepe Romero, Leo Brouwer, Aniello Desiderio, David Russell, Odair Assad, Hubert Käppel, Thomas Müller-Pering, Zoran Dukic, Costas Cotsiolis, Roland Dyens, Dale Kavangh, Carlo Marchione, entre otros.

Por sus logros musicales, ha recibido una maestría en Guitarra del “Soroptimist International Club” y una beca del “Freundeskreis zur Förderung der Bochumer Symphoniker”. El Lions-Club Köln-Colonia premió a Magdalena con una beca para estudiantes altamente calificados de la University for Music Cologne en 2009. En 2006 grabó su primer CD Sonatas con NCA - New Classical Adventure, Hamburgo. En 2011 lanzó su nuevo CD Elogio de la guitarra, nuevamente con NCA, Hamburgo.

Algunas de sus distinciones son: 1er. Premio en la “Roland-Zimmer” Guitar Competition en Glauchau, Alemania (2002); 2do. Premio en la 12th International Guitar Competition en Kutna Hora, República Checa (2004); 1er. Premio en la 9th International Guitar Competition Anna Amalia, en Weimar (2005); 1er. Premio en la 5th International “Agustin Barrios” Guitar Competition, en Nuoro, Italia (2008); 1er. Premio en la Guitar Competition, en Veria, Grecia (2009); 1er. Premio en el “Lions Music Prize 2010 Distrikts 111 R”, Alemania (2010).

SANTE TURSI - ITALIA

Sante Tursi, originario de Bari, se graduó con la máxima calificación y mención honorífica en el Conservatorio Superior N. Piccinni de Bari. Posteriormente obtiene el doctorado en Filosofía también con la máxima calificación y mención honorífica. Se perfecciona con los maestros Alirio Diaz, Manuel Barrueco y José Tomás. Obtiene becas para estudiar tres años con el maestro Oscar Ghiglia en la Academia Chigiana de Siena (Italia), en donde obtiene tres diplomas de mérito. Después ingresa por audición a los cursos de tres años de la Musik-Akademie de Basel (Suiza) con el maestro O. Ghiglia, obteniendo el Solisten-Diplom.

Ha sido premiado en muchos concursos internacionales, entre otros, los concursos de Gargnano y Alessandria (en donde obtiene también el premio especial Alirio Diaz). Gana el 1er. Premio absoluto en el 33 er. Concurso Internacional de Guitarra de Tokio.

Sante Tursi actúa con regularidad en toda Europa, Asia y América, en las principales ciudades y en los festivales más importantes como: Teatro Filarmónico de Verona, Sala Netzahualcoyotl de México D.F., Japan Guitar Association Music Festival de Tokyo, Erlbach Guitar Festival (Alemania), Festival Internacional de Guitarra de Gliwice (Polonia), Festival Internacional de Guitarra de Lima (Perú), Teatro Colón de Buenos Aires, Royal Festival Hall de Londres y como solista con orquestas como la Orquesta Sinfonica de Bellas Artes de México, la Filarmónica de Cluj (Rumania), la English Chamber Orchestra, etc.

Además de enseñar en varios cursos de perfeccionamiento y clases magistrales en Europa y América, Sante Tursi es profesor titular de guitarra en el Conservatorio Superior “N. Piccinni” de Bari. Ha realizado tres CD para “Rainbow”; uno sobre la música de cámara del siglo XIX y otros dos con música de M. M. Ponce.

EUGENIO GONZÁLEZ  -  CHILE

Eugenio González Prado nace en la ciudad de San Javier de Loncomilla, VII región de Chile. Comenzó sus estudios musicales con la maestra Miriam Sepúlveda en la ciudad de Talca, para luego continuar sus estudios superiores con la maestra Eugenia Rodríguez en el Instituto Profesional Escuela Moderna de Música. En 1996, siendo alumno de la cátedra de Armonía del maestro Carlos Botto (el destacado compositor y Premio Nacional de Música) le dedica la obra “Tres Preludios para Guitarra”.

Se ha presentado en numerosos conciertos como solista, en ensambles de cámara y con orquesta en todo el país. Además, ha sido invitado numerosas veces al prestigioso Festival Internacional ENTRECUERDAS, que se realiza en gran parte del país.

Ha participado en la grabación de varios CD, entre los que destacan: “Jóvenes músicos para nuevos compositores”, de la Escuela Moderna de Música; “AXIAL escritos para guitarra”, del compositor Javier Farias; “Ganadores del V Concurso de Guitarra Liliana Pérez Corey”, de la Escuela Moderna de Música; “Guitarra a la Chilena”, del compositor Alejandro Caro.

Ha obtenido importantes premios en concursos de interpretación, tanto en Chile como en el extranjero. En 2004 se le otorga el premio Orquesta Moderna de Chile como Mejor Intérprete de la Temporada Oficial de Conciertos, por su interpretación de la obra Concierto II para guitarra y doble quinteto de cuerdas, del compositor chileno Javier Farías.

Actualmente, además de su carrera individual, es el Guitarrista Solista del Ensamble de Guitarras de Chile. Es profesor titular de la cátedra de guitarra clásica en el Instituto Profesional Escuela Moderna.

ARINA BURCÉVA - UCRANIA

Joven talentosa de la guitarra clásica y compositora, Arina Burcéva ha deleitado audiencias numerosas con su arte. Se ha presentado en conciertos y clases maestras en los Estados Unidos, Canadá, Europa y América Latina, apareciendo en la radio, televisión pública y en la prensa escrita. Como compositora, se inspira en la naturaleza, las artes visuales, la mitología y experiencias personales. Su estilo único de composición refleja los elementos de géneros musicales como música clásica, contemporánea, étnica y jazz.

Nacida en Ucrania, Arina comenzó su viaje musical con el piano y el violín, y se introdujo a la guitarra clásica por Marina Azar a los ochos años de edad. Una artista consumada que desde una edad temprana (a los catorce años) es laureada en dos ocasiones con el premio del Concurso Nacional de Guitarra Zhinovic. Después de inmigrar a los EE.UU. en 2002, Arina ganó el primer premio en el Concurso Schubert de Becas. Ese mismo año fue galardonada con una beca para estudiar en el Conservatorio de Música de San Francisco.

Arina ha obtenido su grado de “Bachelor of Music” en el rendimiento de la guitarra clásica en 2007 bajo David Tanenbaum y Dusan Bogdanovic, y su título de “Master of Music” en 2009, bajo el ganador de premios Grammy el guitarrista y compositor Sergio Assad. Lanzará su álbum debut en el verano de este año.

Arina toca la guitarra de Gil Carnál.

RUBÉN GONZÁLEZ - CUBA

Nacido en Holguín, Cuba, es egresado del Instituto Superior de Arte de La Habana, donde recibió el título de Licenciado en Música con especialidad en Guitarra Clásica. Sus profesores fueron Alina Quesada, Efraín Amador y Aldo Rodríguez. Además recibió clases magistrales del maestro Leo Brouwer.

Es Director General del Concurso Nacional y Festival Internacional de Guitarra de Santo Domingo. Ha participado en el Festival Internacional de Guitarra de La Habana, X Festival Entrecuerdas de Chile, el de Santo Domingo, en el Uczenia Festival de Varsovia en Polonia, así como en el V Festival Internacional de Guitarra de Arequipa, entre otros.

Se ha presentado exitosamente en la Sala W. Lutoslawski de Varsovia, José Félix Ribas del Teatro Teresa Carreño de Venezuela, Sala Eduardo Brito del Teatro Nacional de Santo Domingo, Salas Covarrubias y Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, Ingalls Recital Hall de la New Jersey City University, entre otras. Además, se presentó como invitado en el concierto que ofreció el tenor español José Carreras con la Orquesta Sinfónica de Santo Domingo en la Sala Eduardo Brito del Teatro Nacional en 2002.

Entre sus distinciones destacan: 1er. Premio Concurso Nacional de Guitarra “Amadeo Roldán” (1982); finalista y Premio a la mejor interpretación de la música cubana en el IV Concurso y Festival Internacional de Guitarra de La Habana (1988); Premio al mejor intérprete de la música española en el Concurso Nacional de la UNEAC (1992).

Grabaciones: Rubén González Interpreta, Enkiu, Santo Domingo; Encuentro, Enkiu, Santo Domingo; Concierto Dominicano, Concierto Peravia, Ten Pieces for Solo Guitar. Asimismo, ha sido incluido en la antología La obra guitarrística de Leo Brouwer (Volumen VI), EGREM, Cuba.

En la actualidad es profesor del Conservatorio Nacional de Música de Santo Domingo, República Dominicana.

CARLÉ COSTA  -  URUGUAY

Nació en Uruguay en 1959 y se crió en Argentina. Comenzó sus estudios de guitarra clásica con el Mo. José Smiroldo, continuándolos luego con Horacio Ceballos en el Conservatorio Nacional de Música. Posteriormente estudió guitarra contemporánea con Miguel Angel Girollet, y participó en diversos cursos de música electroacústica, composición, análisis musical, música de cámara, filosofía de la música, con maestros como José Maranzano, Guillermo Graetzer, Pedro Chiambaretta, Mario García Acevedo, Vadim von Struckhoff, Helmut Lachenmann e Ivo Malec.

Pionero en la interpretación y docencia de música contemporánea, realizó en los ‘80 numerosos estrenos de obras e inició su actividad de materclasses y seminarios en el Conservatorio Nacional de Música de Lima (Perú, 1981). Posteriormente ha ofrecido masterclasses, seminarios y conferencias en conservatorios y universidades de Argentina, Perú, Chile, Suecia, Estonia, Alemania e India.

En 1986 grabó para el sello Circe de Argentina su primer trabajo discográfico y desde ese momento ha editado numerosa discografía. Cuenta con una extensa obra para guitarra solista y música de cámara: “Chanterelle Verlag” de Alemania tiene en preparación una extensa colección de partituras de su obra, y otras pueden encontrarse en “Editions Henry Lemoine” y “Verlag Ex-Tempore”.

En 1989 comienza la práctica de Tai Chi Chuan bajo la instrucción de Sifu Ma Tsun Kuen. Desde 1993 vive por una década en los montes del centro de Argentina: el contacto directo con la naturaleza, sus ciclos y su silencio lo transforman a él, su música y su sonido. Desde 2006 vive en Berlín, Alemania. Este año ha sido invitado a tocar como solista con la Orquesta Sinfónica de Moscú (Festival de Música Clásica de Orvieto, Italia). Carlé Costa toca exclusivamente en guitarras Robert García. Página web: http://www.carlecosta.com.ar/

RAFAEL AGUIRRE - ESPAÑA

Nacido en Málaga en 1984, comenzó sus estudios musicales a los siete años finalizándolos con las más altas calificaciones. Con sólo 16 años, hizo su debut orquestal interpretando el “Concierto de Aranjuez” con la Joven Orquesta de Málaga en una gira por varias ciudades de España y Marruecos. Participó en master classes con Joaquín Clerch, Ángel Romero, Manuel Barrueco, Leo Brower, David Russel, Alirio Díaz y Roberto Aussel.

Rafael Aguirre ha ganando los eventos mundiales más prestigiosos: Francisco Tárrega, Infanta Cristina, Concurso Alhambra y el concurso de Koblenz (Hubert Kappel), entre otros. Además, es el primer y único guitarrista en ganar el “Schmolz and Bickenbach Competition” para todos los instrumentos en Düsseldorf (Alemania).

Rafael Aguirre ha tenido la oportunidad de tocar en teatros de renombre como el Tchaïkovsky Hall de Moscú, Carnegie Hall de Nueva York, Teatro Manuel de Falla de Cádiz, Tonhalle de Düsseldorf o el Instituto Cervantes de Munich. Ha participado en los mejores festivales de guitarra, como el de Monterotondo (Italia), Hallein (Austria) y Julian Arcas (España). Ha colaborado con orquestas como la Filarmónica de Málaga, la Sinfónica de Extremadura, la Neue Philarmonie Westfalen y la Orquesta Nacional de Siria.

Durante el 2007 Rafael Aguirre grabó dos discos con excelente crítica para los sellos RTVE y Naxos, siendo este último nominado en los Grammy Latinos en la modalidad de “mejor álbum de música clásica”. Tiene previsto dos nuevas grabaciones, una para Naxos nuevamente y otra para el sello alemán KSGEX audio.

En la actualidad reside en la ciudad alemana de Düsseldorf enseñando en la Universidad “Robert Schumman”. Rafael Aguirre toca con una guitarra Stephen Connor y la firma de cuerdas D’Addario es su sponsor. Página web: http://www.rafaelaguirre.com/

.PROGRAMACIÓN XXII FESTIVAL INTERNACIONAL DE GUITARRA MARZO 2011

Lunes 14

11:00 a. m. Clase maestra

7:30 p. m. Concierto

Manuelcha Prado (Perú)

Gyan Riley (USA)

Jóvenes valores: Omar Nicho Dongo


Martes 15

11:00 a. m. Clase maestra

7:30 p. m. Concierto

Harold Beizaga (Bolivia)

Magdalena Kaltcheva (Alemania)

Jóvenes valores: Guillermo Hirano Teruya


Miércoles 16

11:00 a. m. Clase maestra

7:30 p. m. Concierto

Sante Tursi (Italia)

Eugenio González (Chile)

Jóvenes valores: Leonardo Cossío Luna

Jueves 17

11:00 a. m. Clase maestra

7:30 p. m. Concierto

Arina Burcéva (Ucrania)

Rubén González (Cuba)

Jóvenes valores: Julio Casas Silva


Viernes 18

11:00 a. m. Clase maestra

7:30 p. m. Concierto

Carlé Costa (Uruguay)

Rafael Aguirre (España)

Jóvenes valores: Julio Casas Silva


Sábado 19

11:00 a. m. “Sesión de Guitarreo”, participan alumnos y guitarristas

7:30 p. m. Invitado especial: Percy Murguía - Perú

“Noche de Guitarras del Mundo”, participan todos los guitarristas


Extraido de  http://periodicovecino.blogspot.com/ 

EL DUO ASSAD EN LIMA

Los hermanos Sergio y Odair Assad, tres veces ganadores del Grammy Latino, considerados el mejor dúo de guitarra del mundo, no solo confirmaron su único concierto el 11 de agosto en el Auditorio del Colegio Santa Úrsula, sino que agregarán una sesión especial para exponentes peruanos de la guitarra.

Se trata de una clase magistral este martes 10 de agosto en el Conservatorio Nacional de Música ubicado en Jr. Carabaya 421-429 Lima, donde analizarán toda su técnica y creatividad ante los muchos amantes peruanos de este instrumento.

Voceros de TQ Producciones confirmaron la búsqueda de un recinto adecuado donde los virtuosos hermanos brasileros puedan tener una reunión adicional con sus seguidores para un encuentro musical, con clase magistral incluida sobre guitarra.

Como se sabe, el dúo Assad ganó el Grammy Latino 2002 al Mejor Álbum de Tango, el 2004 por el disco "Obrigado Brazil" y el 2008 por Mejor Composición Contemporánea. Ello los consolidó como el mejor dúo de guitarra. Han creado una treintena de discos, además de realizar trabajos con los más afamados músicos del planeta, así como bandas sonoras para películas en Hollywood.

Figuras de la talla de Astor Piazzolla, Radamés Gnattali, Nikita Koshkin, Yo-Yo Ma, Marlos Nobre, Francisco Mignone, Paquito D" Rivera, entre otros, de los más diversos géneros, compartieron trabajo con el Dúo Assad.

Fueron artistas intérpretes y ejecutantes en la banda sonora de la película "Duplicity", protagonizada por Julia Roberts y actualmente cumplen gira mundial con el proyecto "De Volta como Raíces".

Las entradas se venden en Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda.

Extraído de la pag. de RPP.

XXI FESTIVAL INTERNACIONAL DE GUITARRA EN HOMENAJE AL MAESTRO CARLOS HAYRE

En efecto, los días 15, 16, 17, 18, 19 y 20 de marzo (2010), se realizará el XXI Festival Internacional de Guitarra en el auditorio del ICPNA de Miraflores. Se trata de un festival musical que ha ido creciendo en la medida que participan además músicos e intérpretes de distintos países de América y Europa.

Esta vigésimo primera edición de este prestigioso festival ofrece un merecido homenaje al maestro Carlos Hayre. Una celebración que trasciende fronteras gracias a la participación de músicos de primer nivel.

Nuestro país está magníficamente representado por Javier Echecopar, quien abre el festival junto con el guitarrista norteamericano William Feasley. Participan también: Alexis Méndez (Cuba), Alberto Cumplido (Chile), Marcos Puña (Bolivia), Pablo Marfil (Argentina), Francisco Gil (México), Francisco Ortiz (Francia), Marcos Vinicius (Brasil) y Armin Egger (Austria).

Además, alternando con estos maestros, los jóvenes valores seleccionados: Carlo Magno Arriarán, Ernesto Choy Yánac, Jesús Salvador Palomino, Alfredo Tantaleán Guerrero y Abel Velásquez Zavaleta.

Como ya es costumbre, el festival se clausurará con la Noche de Guitarras del Mundo, donde participarán todos los intérpretes y Carlos Ayala (Perú) como invitado especial.

Asimismo, los concertistas invitados ofrecerán clases maestras a las 11:00 a. m. los días de sus funciones; y el sábado 20 a las 11:00 a. m. se realizará una Sesión de guitarreo con la participación de alumnos y guitarristas invitados. Informes: Telef. 706-7001, anexo 9126.

Auditorio ICPNA Miraflores.

Conciertos: 7:30 p. m

 

PROGRAMA

 

Lunes 15
 
Jóvenes valores: Carlo Magno Arriarán


Javier Echecopar – Perú

William Feasley – USA

Clase maestra: 11:00 a. m. Ingreso libre

Concierto: 7:30 p. m.: S/. 15 y S/. 30

Auditorio ICPNA Miraflores


Martes 16
 
Jóvenes valores: Ernesto Choy Yánac


Alexis Méndez – Cuba

Alberto Cumplido – Chile

Clase maestra: 11:00 a. m. Ingreso libre

Concierto: 7:30 p. m.: S/. 15 y S/. 30

Auditorio ICPNA Miraflores


Miércoles 17

Jóvenes valores: Jesús Salvador Palomino


Marcos Puña – Bolivia

Pablo Marfil – Argentina

Clase maestra: 11:00 a. m. Ingreso libre

Concierto: 7:30 p. m.: S/. 15 y S/. 30

Auditorio ICPNA Miraflores


Jueves 18

Jóvenes valores: Alfredo Tantaleán Guerrero


Francisco Gil – México

Francisco Ortiz – Francia

Clase maestra: 11:00 a. m. Ingreso libre

Concierto: 7:30 p. m.: S/. 15 y S/. 30

Auditorio ICPNA Miraflores


Viernes 19

Jóvenes valores: Abel Velásquez Zavaleta

Marcos Vinicius – Brasil

Armin Egger – Austria

Clase maestra: 11:00 a. m. Ingreso libre

Concierto: 7:30 p. m.: S/. 15 y S/. 30

Auditorio ICPNA Miraflores

 

 

Sábado 20

Noche de guitarras del mundo

Invitado especial: Carlos Ayala – Perú

Auditorio ICPNA Miraflores

7:30 p. m. S/. 40

SHIN SASAKUBO. GUITARRA ANDINA CON MATICES ORIENTALES.

La música es un lenguaje universal, que independientemente de la raza, idioma o locación geográfica, transmite emociones y vivencias que hermanan naciones y transciende barreras culturales.

Un ejemplo cercano de lo anteriormente mencionado es el caso del guitarrista de origen japonés Shin Sasakubo, quién interpreta con singular maestría música del acervo cultural peruano.

A la pregunta de : Como un músico japonés llega a interpretar e identificarse con la música tradicional peruana que incluso no goza de exposición mediática en su propio país de origen? Shin responde:

“La música andina está desde siempre en mi memoria y mi corazón. He recorrido muchos lugares en el Perú y siento que he recibido de su gente un valioso legado que debo preservar, y por eso la seguiré tocando.”

Su inspiración principal como él dice son “los sonidos del pueblo (andino)”

“La música de trabajo, de la chacra; de la gente que convive con la naturaleza. La música que palpita con ellos en cada momento de sus vidas, que tiene alma; música que está viva, que tiene elementos únicos, que solo están allí, y no se encuentran en ningún otro lugar del mundo”.

Guitarrista, compositor, e investigador de la música andina, Sasakubo (Tokio - 1983) tuvo desde temprana edad una fuerte conexión con la cultura peruana.

Su padre llegó al Perú por motivos laborales: capacitar al personal del Instituto Nacional de Salud Mental Honorio Delgado-Hideyo Noguchi, ( hospital construido con aportes del gobierno japonés).

Era 1983, y el recién nacido Shin se quedó con su padre en Lima. Aquí aprendió sus primeras palabras y dió sus primeros pasos. También aprendió a reconocer y apreciar el sonido de la quena, instrumento que en el hospital se usaba para tratar el asma.

De vuelta a su natal Tokio , Shin se empeñó en dominar la quena, la zampoña y el charango, a partir de los tres años.

Más tarde, inspirado por las interpretaciones del maestro de la guitarra ayacuchana Raúl García Zárate, gracias a unos “cassettes” que su padre trajo de Perú, inicia a los nueve años sus estudios de guitarra clásica con los destacados maestros Norikazu Shimazaki y Tsunekazu Adachi.

Luego de concluir su formación académica , y conseguir ser reconocido en el mundo de la guitarra clásica japonés, vuelve al Perú, e inicia su viaje de aprendizaje musical por el sur andino de este exótico país, internándose en pueblos aislados, para beber de la misma fuente de la tradición viva, transmitida mayormente en forma oral y compartiendo al mismo tiempo la vida cotidiana con sus habitantes.

A su vez estudia con grandes maestros de la guitarra andina peruana como Raúl García Zarate (su principal influencia musical) y Manuelcha Prado, y tiene contacto con grandes intérpretes de la música popular peruana como: Alberto Juscamaita, Daniel Kirwayo, Jaime Guardia, Máximo Damián, Javier Arias, Eusebio Huamaní, Freddy Flores, Manuel Silva y Oscar Avilés…,con quienes establece un sólido y estrecho vinculo, causando en ellos una grata impresión tanto por su calidad interpretativa, así como por su gran sensibilidad e identificación con la música andina.

Estas intensas, e enriquecedoras vivencias, lo nutren e inspiran para continuar su proyecto personal de investigación sobre los sonidos del Perú.

A Shin, por su parte, le gusta interpretar a compositores peruanos como Theodoro Valcárcel y Armando Guevara Ochoa. “Me extraña y apena que sus obras se incluyan poco en el repertorio de músicos peruanos.”

Le gusta el trabajo de Édgar Valcárcel, Francisco Pulgar Vidal y Celso Garrido Lecca; y de los más nuevos Fico Tarazona y Nilo Velarde. “Realmente, hay un sinnúmero de compositores, cuya obra no tiene el reconocimiento que se merece.”

Además de intérprete e investigador, Shin asume la tarea de difusor de la cultura peruana ,lo que le ha llevado a pasear su repertorio de temas tradicionales andinos, a escenarios del Perú, Argentina, Bolivia, Chile, Grecia y Bulgaria.

El 2008 produjo un disco, dedicado a José María Arguedas, un álbum que es un “diálogo” con la obra del escritor peruano. El mismo año fué invitado por la Embajada del Perú en el Japón, para realizar un recital de música peruana, en el agasajo que se le ofreció al Presidente de la República del Perú Dr. Alan García Pérez, durante su visita oficial al Japón. A los numerosos conciertos en el archipiélago japonés, se suman los realizados en Grecia y Bulgaria.

Conformó el jurado calificador del “Festival Internacional de Guitarra Gotze Delchev 2008″. Participa en diversos eventos vinculados a la cultura y los sonidos del Perú, destacando la conferencia dada en el Instituto de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Estudios Extranjeros de Kyoto.

                             

Pocas cosas han cambiado desde la primera vez que Sasakubo regresó al Perú para iniciar la búsqueda de su propia voz como intérprete y moldear su propuesta artística. Ahora Shin habla un buen castellano, vive en Saitama, Japón, con su esposa ayacuchana Irma y su hijita Cusi.

Lo que no ha cambiado en absoluto es el amor y compromiso que tiene para con la música andina peruana, unido también a su preocupación por que los jóvenes intérpretes continúen la posta dejada por quienes fueron sus maestros y que de esta manera lo tradicional sobreviva y no se extinga absorbida por la globalización.

DISCOGRAFIA:

Sasakubo tiene diez producciones discográficas en su haber todas ellas dedicadas a a la música tradicional peruana:

. Adiós pueblo de Ayacucho (2005)

. Amanqaycha (2005)

. Ayacucho – 20 memorias (2006)

. Alma de la guitarra (2006)

. Runa Simi. A dúo con la cantante Ellen Burhum (2007)

. Vírgenes del Sol (2007)

. Ayacucho I – Tradicional (2007)

. Ayacucho II – Kirwayo (2007)

. A José María Arguedas (2008)

. John Dowland returns (2009)

.En el CD "A José María Arguedas"  le rinde homenaje al conocido escritor peruano a quien Shin ha leído traducido al japonés, lo que le ha permitido un mejor conocimiento de la cosmovisión y el pensamiento tradicional andino.

. En su última producción intitulada “John Dowland returns” donde interpreta en su mayoría sus propias composiciones, podemos apreciar la profunda influencia andina en su música que se enriquece al fusionarse con su particular aporte oriental.

MARIA LUISA ANIDO (II PARTE)

En un reportaje de la revista "El Mundo de la Guitarra", de Setiembre de 1987 y titulado "María Luisa Anido: ochenta años de pasión", con gran cariño y humildad señala que su actividad ha sido básicamente pedagógica y que entre sus alumnos más destacados figuran Nelly Menotti, Omar Atreo, Guillermo Pérez Quer, Juan José Falú, Joana Albiol, Montse Oterino, Eulogio Dávalos, María Isabel Siewers, Maria Esther Guzmán, Jorge Cardozo, Ariel Rodríguez, Luis Casares, Carlos Di Fulvio, Juan Carlos Pratto, Vicente Elías, Susana Simon, Fanny Castro, Cristina Cid, Mirta Pepe, Nilda Urquiza... Muchos alumnos que ahora he reencontrado, dijo y que, al nombrarlos, temo cometer omisiones...

Se han formado diversos conjuntos con su nombre como "The Anido Guitarduo", formado por Annette Kruisbrink y Arlette Ruelens, holandesa y belga respectivamente, quienes interpretan obras en su mayoría compuestas por Annette. Entre ellas figura una composición llamada:" Dedicada a María Luisa Anido". Ambas artistas viajaron en 1995 a conocer a la Gran Dama de la Guitarra.
También el trío italiano "María Luisa Anido Guitar Trio", formado por Clara Campese, Paola Troncone y Fabio Mastroianni y el "María Luisa Anido Classical Guitar Academy", dirigido por Clara Campese honran con sus interpretaciones y composiciones el nombre de la gran artista.

Se le tributaron numerosos homenajes y en Buenos Aires tuvo lugar el "Homenaje a la guitarrista argentina María Luisa Anido en sus ochenta años", año 1987. Este merecido homenaje le hizo decir en una entrevista: ...Una sala repleta de personas muy queridas, palabras hermosas y un concierto extraordinario. Si mi corazoncito aguanta esto habré superado una de mis más fuertes emociones...

En Morón, su ciudad natal, fue declarada Ciudadana Ilustre, el 25 de julio de 1987.
Otros dos homenajes se le tributaron en 1993 en la sala Martín Coronado del Teatro San Martín de Buenos Aires y el hall central del mismo teatro, en diferentes días de ese año. Recibió cálidas, justas y emocionadas palabras de su gran amiga Nelly Menotti quien la tuvo también de maestra y las actuaciones, entre otros artistas, de María Esther Guzmán, José Luis Rodrigo, Lucio Núñez, Víctor Villadangos, Cristina Cid...La presentación, impecable, estuvo a cargo de Sebastián Domínguez quien no escatima espacio en su programa De Segovia a Yupanqui para hacer oír las grabaciones de María Luisa Anido e historias de su vida y su carrera a cargo de sus numerosos amigos, ex alumnos y admiradores.

No debemos olvidar dos facetas muy importantes en el arte de María Luisa Anido: la de compositora y la de profesora. Como compositora escribió numerosas obras para guitarra:

Adiós, adiós, (canción mexicana)
Aire norteño, (Ricordi Americana, Buenos Aires).
Aire de vidalita, de la "Serie Americana". (Bèrben, Italia).
Barcarola, del "Álbum de 10 obras para guitarra", (Ricordi Americana, Buenos Aires).
Boceto indígena, de "Impresiones argentinas para guitarra". Ediciones Julio Korn (Buenos Aires)
Canción de cuna, (Bèrben, Italia)
Canción del Yucatán, del "Álbum de 10 obras para guitarra", (Ricordi Americana, Buenos Aires)
Canción n º3 (Bèrben, Italia)
Canto de la llanura, de "Impresiones argentinas".
Catamarqueña, (vidala), de "Impresiones argentinas".
Chacarera
Dandansoy, (Editorial Randolph, Buenos Aires).
Danza, (Unión Musical ediciones s.l., Londres).
De mi tierra, (impresiones camperas), del "Álbum de 10 obras para guitarra" (Ricordi Americana, Buenos Aires).
El Misachico, de "Impresiones argentinas".
Evocación indígena, de "Impresiones argentinas".
Gato popular (arreglo de M. L. Anido), (Casa Núñez, Buenos Aires).
Gris, (preludio nostálgico), (Unión Musical Española, Madrid).
Lejanía, (de "Preludios nostálgicos" , (Ricordi Americana, Buenos Aires).
Mar, (preludio nostálgico), (Unión Musical Española, Madrid).
Preludio criollo, de "Impresiones argentinas".
Preludio pampeano, de "Impresiones argentinas".
Poutpurri de pericones, (Baile norteño- De mi tierra-Ritmo popular), (Casa Núñez, Buenos Aires).
Santiagueña, de "Impresiones argentinas".
Triste nº1, de "Impresiones argentinas".
Variaciones camperas, de "Impresiones argentinas".
Preludio campero nº3, del álbum "Con cinco piezas" (Bèrben).
Preludio criollo, de "Impresiones argentinas"
Preludio pampeano, de "Impresiones argentinas".
Santiagueña, de "Impresiones argentinas".
Triste, (Guitar review)
Variaciones camperas, de "Impresiones argentinas".
Vidala, de "Impresiones argentinas.

María Luisa Anido fue Embajadora cultural de su país natal, Argentina, y de la guitarra como Instrumento Mayor. Dedicó su vida al servicio de la guitarra. Sus conceptos, pensamientos y consejos han quedado plasmados en innumerables reportajes, conferencias, clases, charlas y libros.

Maria Luisa Anido en Moscú, junto a un afiche que publicita uno de sus conciertos.

Algunos de ellos se describen a continuación:

Compongo lo que la guitarra me sugiere.
He enseñado desde que tenía catorce años y aún lo sigo haciendo con el mismo amor, con el mismo interés. Hay que hacer docencia pero sin rigidez, con conceptos claros y sencillos. Haciendo que se conozcan los distintos estilos de tal manera que sea agradable al oyente pero, al mismo tiempo, con la mayor profundidad posible.

Respecto del sonido en la guitarra: ... ¡No le quiten sonido ni la maltraten porque sino, van a ser guitarristas de la primera fila. Se lo debe privilegiar sin desmedro de la interpretación. Aprovechen los mil matices que tiene!

Siempre instaba a mantener la propia personalidad: ... ¡defiéndanla aún a costa de los profesores!. Jamás se debe imitar a nadie. El alma es el fiel reflejo de esa personalidad y un alma cultivada en los valores esenciales trasciende a través de la música. Copiar modelos no sirve. Hay que ser uno mismo. Arriba del escenario se modela esa personalidad que es necesario defender toda la vida.

Hay que ser muy sincero consigo mismo pues de lo contrario NO PODEMOS SERLO CON LOS DEMÁS y como la música es una expresión que va de corazón a corazón, si se finge o imita no convence. Los artistas que perduran como compositores, intérpretes, pintores o lo que fueren, tienen personalidad propia.

Siempre tenía muy presente un concepto de Pujol: La guitarra es un instrumento querido de todos y mal conocido de muchos.
No encerrarse en un solo estilo. Debe darse a conocer la mayor cantidad de posibilidades que tiene la guitarra.

Es conveniente tocar en público desde los inicios, desde luego, en forma gradual.

Hay que leer la partitura en forma impecable. No se debe dejar nada librado al azar. Tanto el apasionamiento como el temperamento se deben encauzar dentro de una técnica depurada.

Lo primero que todo artista debe mirar es su sensibilidad porque las acrobacias en el instrumento no son un fin, para eso está el deporte. El arte es otra cosa: es espíritu, especialmente en la guitarra, que para mí, es como la prolongación sonora del alma.

Se debe perseguir una honda interpretación, emotiva y sincera. La técnica puede perfeccionarse con el entrenamiento, el don natural, la gracia, el talento no.
Se tiene o no se tiene. No se puede adquirir. Es necesario desarrollar la técnica con disciplina y paciencia para que pueda florecer ese don.

Una obra de arte sin público languidece y muere.

Genios hay unos pocos. Artistas hay muchos. El genio incendia y arrasa. Pero está la falange de jóvenes, la carne de cañón del arte. Si esos no pueden sacrificar su vida con alegría por el ideal, el fenómeno artístico irá desapareciendo de nuestra vida y perderemos la oportunidad de ser realmente un país.

Hay que apoyar, según la escuela española, para destacar la melodía, y a gusto del intérprete. Esta forma de pulsar sostiene mucho la mano, da seguridad, si no, salta como una pelota.

Todo ser humano necesita, a veces, una especie de diálogo espiritual con el infinito, necesita soñar con esa belleza inmaterial siempre emocionante de la poesía o de la música, recreando con colores o sonoridades, las misteriosas impresiones que despiertan en su alma. El arte me ha ayudado a transmitir esos sentimientos y comunicarlos a gente de todo el mundo. En mi Argentina natal, en los tiempos lejanos de mi infancia, el paisano, el gaucho, viajaba a lo largo de la pampa, a caballo y con la guitarra al hombro, dialogando con el infinito. Mi personalidad, si alguna tengo, se formó contemplando lo que ellos contemplaban, en los campos de Monte, Argentina. Cuando volví, hace poco, había muchos árboles y yo extrañé aquella redondez del horizonte. A mí el infinito de la pampa no me produce tristeza sino emoción estética.

Lo importante es traducir sinceramente lo que uno siente, es difícil alcanzar esas sinceridad. La escuela es necesaria para poder expresar pero, no enseña la manera de unir la técnica con la emoción y el sentimiento.

Me gusta la guitarra sonora y apasionada pero también la melancólica. El caso es darle la mayor cantidad de matices posible. Soy una entusiasta de la guitarra popular porque allí se muestra que la guitarra es el instrumento que está más cerca del alma porque es el que está más cerca del cuerpo, contra el pecho. Se la abraza con cariño, como a un niño. Es el más íntimo de los instrumentos y el más discreto porque tiene poco sonido. Es el más espiritual.

Me da mucha alegría ver a tantos niños que se dedican a la guitarra. Los tiempos han cambiado: a principios de siglo, todos le decían a mi padre con un matiz de escándalo: "¡Cómo, mujer y tocando la guitarra!". Yo me sentía humillada pero mi padre, a quien en el recuerdo admiro cada vez más, persistió en su proyecto de volverme guitarrista sin saber quizás, que así me daba una "tarjeta de crédito" o "pasaporte" universal. Me volví una viajera incesante, con la guitarra al hombro, como los gauchos de mi lejana infancia. La guitarra fue mi pasaporte...

A mí me gusta la honestidad conmigo misma para poder serlo con los demás.

En enero de 1995 se celebró en Barcelona el Primer Concurso Internacional de Guitarra organizado por Eulogio Dávalos, con el que se le rindió homenaje y cuya segunda edición debió ser postergada a causa de su fallecimiento el 4 de junio de 1996, en Tarragona, España. Los diarios del mundo entero han rendido encendidos elogios a su labor artística y humana como Embajadora cultural de Argentina, a esta Dama de la Guitarra, La Segovia Femenina.

A continuación se transcriben algunos de los numerosos elogios y comentarios que sobre ella se hicieron a través de su larga y fecunda vida:

En las manos de María Luisa Anido, la guitarra suena frecuentemente como toda una orquesta.
(Dimitri Kabalevsky)

Escribir sobre María Luisa Anido ocuparía muchas páginas de encendidos elogios. Para la República Argentina, es una gloria nacional. Para nosotros, los amantes de la guitarra de todo el mundo , un espejo y un constante estímulo para poder alcanzar las cimas insuperables que ella ha logrado. (Mariano Perea Gallaga, Vicepresidente de la Asociación Guitarrística Madrileña)

Para Japón, María Luisa Anido es única, la Segovia Femenina. (Sankei Shinbun, Tokyo, noviembre de 1971)

La guitarrista argentina María Luisa Anido es, en efecto, de la clase de un Segovia: la misma pureza de estilo, la misma elegancia, el mismo refinamiento aristocrático. (Jean Cotte, France Soir, febrero de 1972)

Asombrará al mundo. (Rabindranath Tagore)

María Luisa Anido fue para mí una revelación. La impresión que me produjo no se borrará jamás de mi mente. Dotada de un temperamento artístico de primer orden, se adapta admirablemente a todos los estilos y formas musicales y en cuanto a su tecnicismo, no sólo es insuperable, sino que en muchos aspectos sobrepasa todo lo imaginable. (Miguel Llobet).

Maria Luisa Anido, dibujo hecho por Miguel Llobet

La vida de María Luisa Anido es una vida ejemplar de artista. Sin reclamo ni huecas alabanzas, con la verdad en su entendimiento, en su corazón y en sus manos, ha llevado con humildad en sus brazos de mujer el encanto, lírico y emocional, de la noble guitarra, por todos los ámbitos de la tierra. (Emilio Pujol)

En su larga carrera ha sabido siempre aunar la devoción por su instrumento con una conciencia artística que ha sabido ser faro y guía para la generación de ilustres guitarristas que la siguen y encuentran en ella el más perfecto y acabado ejemplo. Su depurada técnica y sensibilidad la hacen acreedora de nuestro agradecimiento, a los compositores que hemos puesto en la guitarra nuestras más caras ilusiones y que en María Luisa Anido no se han mostrado nunca insatisfechas, antes, por el contrario, se han visto siempre comprendidas y realizadas de la manera más firmemente musical. (Joaquín Rodrigo)

María Luisa Anido es una maestra absoluta de la guitarra que arranca de este instrumento todo lo que de él es dado obtener: extrema belleza de tono, ilimitada variedad de expresión, y todos los efectos imaginables, logrando cambiar maravillosamente la firmeza del hombre por la delicada gracia de la femineidad. Sus dedos extraordinariamente ágiles pero disciplinados, son capaces de producir todos los contrastes en tono y volumen y todas las delicadezas de expresión desde el resonar profundo de los bajos hasta la impredecible selección de cuerdas escogidas.
Anido es una artista suprema y una virtuosa de la guitarra no superada. Ella probó plenamente la impresión de Berlioz que afirmaba que "La guitarra es una orquesta en miniatura" (Doctor B. A. Perrot, presidente de The Philarmonic Society)

María Luisa Anido es una virtuosa de la guitarra que extrae de ella todas sus posibilidades sonoras. Sorprendiendo más de una vez por la virtuosa brillantez de sus ágiles dedos. Entre el rico programa queremos remarcar especialmente las bellas danzas y canciones latinoamericanas presentadas por la artista en apropiado estilo. En permanente inversión del sentido melódico y rítmico, alturas dinámicas, tiempos retraídos en descargas de energía y viceversa. Un amplio aplauso de una sala repleta agradeció el ARTE lleno de efectos de la guitarrista.
(Wiener Kritik, Viena, 1952)

Con su concierto en la Schubertsaal, colocó a la guitarra en un lugar de respeto y demostró que domina en alto grado el Arte de ejecutar ese instrumento. El programa incluyó algunas adaptaciones de obras de Manuel de Falla, Albéniz y un andante de Mozart, técnicamente sin tacha. EL público que ocupaba hasta el último asiento dio muestras de aprobación sensiblemente impresionado. (Apleiter Zeitung, Viena, 1952)

Un portento, una auténtica revelación. La Anido encantó literalmente al auditorio. Éxito vibrante.
(Corriere Della Sera, Milán, 1952)

Trae en su ágil juego clásico una hermosa nitidez y real desenvoltura. La sonoridad es plena, viva, flexible. Se percibe en la artista una lumbre de ardor. En otros momentos ella se expresa con una elegancia femenina.
(Cette Semaine, París, 1952)

El virtuosismo de María Luisa Anido es maravilloso y su interpretación refinada. Como un caso poco común ella será profeta en su tierra, y lo será también en la extraña. (Esto lo escribió Domingo Prat, maestro de guitarristas, cuando Anido ya había dejado de ser una niña prodigio y alcanzaba la consagración como intérprete consumada, sensible, de técnica depurada y acabado dominio de su instrumento).

La guitarra está en las mejores manos (Diario Clarín, 10 de mayo de 1987, Napoleón Cabrera).

En otro titular del mismo diario y por el mismo crítico musical leemos: No tenemos una embajadora similar.

Ante tantos y tan merecidos elogios, sobran las palabras...

María Luisa Anido a los diez años junto a su maestro Miguel Llobet

Emilio Pujol, Domingo Prat, Don Juan Carlos Anido, María Luisa Anido y Miguel Llobet

Emilio Pujol, Miguel Llobet, María Luisa Anido y Domingo Prat

Concierto en el Salón La Argentina


María Luisa Anido, jovencita


Miguel Llobet


Maria Luisa Anido en el estudio del Sr. E. Roveri, Milán, 1957

De visita en Japón, 1952

Escuchando a un virtuoso japonés ejecutar un típico instrumento musical

Probando una guitarra de un luthier japonés

Portada de uno de los programas hechos en Japón

Transcripción original de Llobet con la siguiente dedicatoria: "A Su Majestad, la Emperatriz María Luisa Anido 1ª de Argentina con el simple y modesto homenaje que le ofrece su más humilde y fiel vasallo, Miguel Lobet". En la ciudad de Buenos Aires, Capital de los dominios de la mencionada y Egregia Majestad, 11 de Noviembre de 1922

En la casa del señor E. R. Roveri, presidente de"Amigos de la Guitarra" de Milán, a la izquierda de María Luisa Anido el Maestro Miguel Abloniz

Durante la ejecución del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, con la Orquesta Sinfónica de Quito (Ecuador), dirigida por el maestro Ernesto Xanco

MARIA LUISA ANIDO

En el universo de la guitarra clásica (dominado en su mayoría por guitarristas varones) son escasas las apariciones de figuras femeninas que se hayan ganado un sitial en la historia del instrumento por derecho propio.
En comparación a otros instrumentos como el violín, el piano, o la voz en el canto, por mencionar algunos (donde se aprecia un cierto balance en relación al género de los ejecutantes); en el caso particular de la guitarra,el predominio masculino es bastante notorio (digo esto sin propósitos machistas), algo que afortunadamente está cambiando gradualmente..
A pesar de la existencia de diversos mitos,como por ejemplo: el estigma que pesa sobre la guitarra: al ser considerada antiguamente como un instrumento de carácter popular y bohemio, no tan respetable comparado con otros instrumentos, y por lo tanto no muy apropiado para las damas,(concepto muy arraigado sobre todo hasta la primera mitad del siglo XX) no han sido pocas las mujeres que a través de la historia, se han aventurado a transitar por este difícil sendero que representa el arte guitarrístico.
Movido por la curiosidad natural sobre el tema, encontré un excelente artículo sobre estas “Heroinas olvidadas de la guitarra Clásica” escrito por Fabio Caputo Rey, que me parece muy ilustrativo y necesario de compartir.

http://guitarra.artelinkado.com/guitarra/heroinas_guitarra.htm

El articulo referido hace mención de varias mujeres interpretes de guitarra o laúd desconocidas para la mayoría de nosotros y que gracias al trabajo de ilustres maestros como Domingo Prat y grandes recopiladores como Philip Bone, Saldoni, Carfagna o Gangi), se han salvado de la oscuridad del olvido.

Aunque el autor del artículo aclara que esta reseña se circunscribe solamente a los tiempos antiguos y no a los actuales, hace en mi opinión, una omisión involuntaria, al no mencionar a una gran intérprete; que a pesar de haber nacido a principios del siglo XX , sirvió de nexo entre la tradición guitarrística de dos siglos (XIX y XX) : Maria Luisa Anido .

Para hacerle justicia y complementar de algún modo dicho artículo, líneas abajo transcribo un perfil detallado de quien fue considerada en su tiempo “La primera dama de la Guitarra”.
Esta biografía fué recopilada por un colega argentino anónimo, lo que hace imposible otorgarle los merecidos créditos.
Por lo extenso del texto he dividido el post en dos partes.

MARIA LUISA ANIDO

Isabel María Luisa Anido González, tal su verdadero nombre, nació el 26 de enero de 1907 en Morón, Provincia de Buenos Aires, Argentina, falleció el 4 de junio de 1996 en Tarragona, España, en donde descansan sus restos.

Fue la cuarta hija del matrimonio formado por Juan Carlos Anido y Betilda González Rigaud quienes se trasladaron a Buenos Aires cuando ella era muy pequeña.

El ambiente cultural de su familia era ideal para la formación de la pequeña Mimita, sobrenombre cariñoso por el que se la conoció entre sus familiares y amigos.

Comienza sus estudios de guitarra a los cinco años de edad bajo la guía de su padre, Juan Carlos Anido, gran aficionado a la guitarra y quien tuvo una influencia definitiva en su hija, animándola, ayudándola y acompañándola en casi todas sus giras, sobre todo por Argentina y Uruguay.

Maria Luisa Anido de niña

En su casa se vivía un ambiente cultural extraordinario y por allí pasaron grandes artistas, especialmente guitarristas como Emilio Pujol, Regino Sáinz de la Maza, Miguel Llobet y Josefina Robledo. El padre de Mimita fue también el fundador de la revista "La Guitarra" cuya publicación, iniciada en julio de 1923, se mantuvo durante varios años.

Cuando su padre consideró que la pequeña necesitaba un maestro superior a él, pidió al concertista catalán Domingo Prat, de gira por América Latina, que escuchara a Mimita y le diera clases. Al oírla, Prat aceptó y más tarde, viendo sus rápidos progresos, se deshizo en encendidos elogios que volcó en diarios de Barcelona a su regreso a España. Él fue quien le organizó, cuando apenas contaba con nueve años de edad, sus primeros conciertos en Buenos Aires.

Pero el primer concierto completo lo dio el 7 de mayo de 1918, a los 11 años de edad, en el Salón "La Argentina", de Buenos Aires, donde habían debutado sucesivamente Miguel Llobet, Regino Sáinz de La Maza y Emilio Pujol. Más tarde lo hicieron también Andrés Segovia, Josefina Robledo, Domingo Prat, Agustín Barrios...

El programa fue el siguiente:

I Parte

Minueto en re..................................................Sor
Andante..........................................................Sor
Mariposa (estudio)...........................................Tárrega
Mazurka n °2...................................................Tárrega
Estudio en La...................................................Damas
Alborada (Cajita de música).............................Tárrega
Danza mora....................................................Tárrega
Scherzo, vals...................................................Llobet

II Parte

Rêverie Op. 15 n° 17.......................................Schumann
Claro de luna..................................................Beethoven
Escenas pintorescas (N. del E.).........................Massenet
Variaciones....................................................Vieux temps
Marcha fúnebre (Sonata Op. 15)......................Chopin
Canzonetta (del cuarteto)................................Mendelssohn
Serenata española..........................................Malats

Para esa ocasión Don Juan Carlos Anido compró en España la famosa guitarra Torres que había pertenecido a Francisco Tárrega y Miguel Llobet.

Carta original de Tomás Prat al padre de María Luisa Anido, en la cual se anuncia el envío de la guitarra del famoso Maestro Tárrega y donde se habla de una interesante confrontación entre dos instrumentos que pertenecieron al Maestro Llobet.

Barcelona, 2 de agosto de 1917

Sr. Don Juan Carlos Anido, B.A.

Saludo atentamente al distinguido amigo Sr. Anido y a su familia.
Con el vapor "Balmes" llegará a esa de Buenos Aires la guitarra del inmortal Tárrega. No pudo embarcarse en el correo "Infanta Isabel" porque, cuando recibí su carta, ya estaba lleno pero saldrá el 6 de Barcelona y llegará a últimos de Agosto.
Se hizo con la guitarra cuanto V. decía pero no he recibido en este último correo ninguna carta de Domingo en la que me diese instrucciones sobre el embarque de la guitarra, aunque V. las daba más que suficientes.
Hace unos días el Maestro Llobet comparó la guitarra de V. con la suya, parece que está muy enamorado de su guitarra, tanto que, después de mucho probar una y otra dijo: "las dos son superiores y se parecen mucho" pero, por mí, es mucho mejor la de V. La guitarra de Tárrega es del año 1864 y la de Llobet de 1857, por lo tanto, si fuésemos a lo lógico, Torres tenía más práctica cuando hizo la guitarra de Tárrega que cuando hizo la de Llobet, aunque esto no importa nada. La de V. es insuperable.
Respecto al embalaje de la guitarra se hizo todo cuanto V. indicaba, la aseguré de accidentes marítimos y de guerra, el costo del embalaje es de 32 pesetas y el seguro de más de 350 pesetas.
Seguramente mi hijo ya le habrá enterado de nuestro cambio de domicilio pero por si se le olvidase, le ofrezco nuestra nueva habitación: Gerona 113 ppal 2º y aquí tiene V. unos amigos dispuestos a recibirlo en la proyectada tournée por España, ojalá fuese muy pronto.
Saludos de mi familia para la suya y V. reciba los afectos de su amigo

Tomás Prat

Más tarde, el gran guitarrista Miguel Llobet, discípulo de Tárrega, se interesa por esta precoz artista y se convierte en su maestro. Mimita guarda un muy buen recuerdo de él: ...era para mí simplemente genial. Como maestro era único, muy capaz y generoso. Como intérprete, una personalidad y un virtuoso inimitable a pesar de su humildad. Fue un notable maestro, no sólo por sus conocimientos musicales y guitarrísticos, sino también por el conocimiento psicológico del alumno. Además era un amigo de sus alumnos. Muy atento y amable y las horas transcurrían en muy buena atmósfera...

Maria Luisa y Miguel LLobet

Ambos realizarán prolongadas giras formando lo que el crítico francés Robert Vidal considera como el Primer dúo de guitarras del siglo XX. Desde entonces, la depurada técnica de esta artista va en constante perfeccionamiento y María Luisa se convierte en la más grande de las solistas argentinas y la más famosa guitarrista del mundo. Surge en ese momento la Primera Dama de la Guitarra.

En 1933, tras la muerte de su padre, hace un paro en sus viajes por Argentina, Brasil y Uruguay y se dedica a dar clases privadas. Dicta también clases en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires (actual IUNA), y en el Instituto de Música de la Universidad Nacional del Litoral en Rosario, hasta 1950, año en que muere su madre y decide continuar su carrera internacional realizando giras fuera del país. Delega sus cátedras a su alumna y amiga, la concertista Fanny Castro.

En 1952 viaja a Europa por primera vez obteniendo un éxito de características poco comunes por la reacción entusiasta del público y la crítica especializada que ponderó su prodigiosa técnica, su cultura musical y su refinada y profunda musicalidad.

En esa gira realizó conciertos en Londres, Innsbruck, Viena, París, grabaciones para la Radiodifusión Francesa, Milán, Mantua, Módena, Messina, Parma, Lecce...
Ese mismo año, al regresar, ofreció conciertos en Brasil y nuevamente en Argentina.
Al año siguiente repitió su gira por Sudamérica y Europa. En octubre-noviembre de 1953 dictó un Curso Especial de Perfeccionamiento en su instrumento, en Milán.
En 1954 realiza su primer viaje a Japón.

Durante quince días dio nada menos que quince recitales en Tokio, Sapporo, Iubara (Hokkaido), efectuó grabaciones para la radio y la televisión y dictó cursos de guitarra.
El Parlamento Japonés organizó una recepción en su honor en el Hotel Shoto de Tokio, el 24 de mayo y el Presidente de la Cämara de Diputados del Japón, Señor Yasujiro Tsutsumi, pronunció un discurso de bienvenida lleno de merecidos elogios y los legisladores japoneses obsequiaron a María Luisa una joya cincelada 250 años atrás por un artesano de la familia Asano.

María Luisa Anido con el príncipe heredero de Japón, Akihito,
año 1954

Ese mismo año 1954, actuó de nuevo en Italia, Buenos Aires y Río de Janeiro. Los viajes y conciertos se irán repitiendo cada año. En 1955 también actuó en Uruguay. En 1956, entre el 12 de febrero y el 30 de mayo, realizó una gira por Italia, Austria y Rusia.

Actuando en las ciudades de Palermo, Bologna, Milán, Bari, Sicilia, la Schubertsaal de Viena. En Salzburgo, luego de un exitoso concierto, se publicó una crítica muy elogiosa, en el diario Zeit und Welt del 5 de mayo de 1956, con las siguientes palabras:

..."Paganini y Liszt nos han dado los más altos ejemplos de lo que es un violín y un piano. En cambio, qué es una guitarra y cómo puede llegar a sonar, lo hemos aprendido nosotros gracias a María Luisa Anido. Junto al matizado arte del toque, es preciso agregar con la imaginación, la dinámica más rica y más llena de gradaciones para poder formarse un concepto de la maestría y ejecución de las que hace gala María Luisa Anido. No es pues de sorprender que la artista haya logrado en Salzburgo un éxito como tan sólo habían conseguido algunos pianistas y violinistas, o bien, raras veces, algunos violoncelistas. Los aplausos parecían no tener fin..."

María Luisa Anido

Anido llegó a Rusia el 8 de mayo de 1956. Actuó en los más grandes salones de Moscú como la Sala Tchaikovsky donde, entre el público se encontraba el gran compositor Dimitri Kabalevsky quien opinó así: ...en las manos de María Luisa Anido, la guitarra suena frecuentemente como toda una orquesta... Otras salas donde actuó fueron: la Gran Sala del Conservatorio del Estado, Casa del periodista, Sala de las Cinco Columnas de los Gremios Obreros, Casa del Cine, probablemente el 25 de mayo, porque fue en homenaje a nuestra fecha patria y contó con la presencia del embajador argentino Donato del Carril. También actuó en la Sala de la Filarmónica, en las Veladas de la amistad de los sindicatos artísticos, en la Casa del Actor...
En Kiev lo hizo en la Sala de la Filarmónica el 20 de mayo de 1956.

Concierto en la Sala Tchaikovsky de Moscú.

De regreso a Argentina, el mismo año, actúa en el Teatro Colón y en el Teatro Odeón, de Buenos Aires. María Luisa Anido interpretó por primera vez en su país el "Concierto de Aranjuez", para guitarra y orquesta, de Joaquín Rodrigo, con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida en esa oportunidad por el Maestro Juan José Castro.

En los años siguientes continúan las giras: nuevamente en Italia en 1957 y también en Argentina, Venezuela, Costa Rica, Méjico. Los diarios chilenos comentaron que así como ellos tenían en Claudio Arrau su máximo exponente del piano, Argentina debe estar orgullosa de tener a una brillante gloria guitarrística como María Luisa Anido.

Su vida fue un incesante peregrinaje artístico. Sus largas tournées estuvieron siempre refrendadas con singular unanimidad por la admiración de sus auditorios y el aplauso brindado sin retaceos.

Compartió cartel con los más grandes artistas de su época como vemos en el siguiente programa:

Su promotor durante todos esos años fue el empresario Omar Buschiazzo, quien junto con su esposa Ketty Zamora acompañaron a Mimita en muchos de sus viajes.

En 1965 viajó a Filipinas. En 1966 a Japón nuevamente y a Costa Rica.
De regreso en Buenos Aires impartió durante seis meses (del 1 de abril al 30 de setiembre) clases en el Conservatorio Manuel de Falla.

En 1971 realizó una nueva gira por Japón que incluyó una grabación para Victor Recording, en Tokio, y luego viajó a Macao y Filipinas donde concluyó su gira en 1972.
Seguidamente ofreció otros conciertos en Argentina.

María Luisa Anido, meritoria artista y noble amiga, al decir de Andrés Segovia, constituye uno de los grandes capítulos de la Historia de la Guitarra. En esta carta fechada el 31 de mayo de 1979 se evidencia la amistad y la admiración que el gran artista deparaba a su colega argentina.

Andrés Segovia y María Luisa Anido

El diario Clarín publica el siguiente comentario firmado por Napoleón Cabrera: Reapareció María Luisa Anido, una gran artista. Diez años de no actuar en nuestra ciudad no oscurecieron para el público el nombre de la gran artista, dueña de mecanismos, musicalidad y fuerza expresiva sin mácula....interpretó dos conciertos de Vivaldi y Carulli junto a la Orquesta de cuerdas de Morón con dirección del maestro Humberto Carfi (Buenos Aires, 17 de octubre de 1972).

En 1976 abandona su querida patria, sus bienes y amistades hastiada de los golpes de estado, realiza conciertos en Suiza, Alemania y España, efectúa grabaciones de dos audiciones de radio en Madrid y también graba un disco. Se instala provisoriamente en Palma de Mallorca y luego, en forma definitiva, en 1978, en Barcelona. Se dedicará principalmente a dar clases, conciertos y continuar su actividad a nivel internacional dando conciertos y participando como miembro de Jurados Internacionales de Guitarra.

En Barcelona brinda un concierto de homenaje a Miguel Llobet en el Palau de la Música Catalana. En el diario del 6 de mayo de 1977, de esa ciudad catalana, leemos: ...si hubiéramos de sintetizar el arte de María Luisa Anido en dos palabras diríamos que es poesía pura...

El 4 de diciembre de 1984 comparte un concierto de homenaje a Eduardo Sáinz de la Maza junto a sus dos entrañables discípulas: Joana Albiol y Montse Oterino, en Tarragona.

Hasta el año 1987 en que regresa por un tiempo a Argentina, fueron numerosos los conciertos en Europa: sur de España, Génova, Francia, Nápoles, Tarragona y Barcelona nuevamente, Marsella...

En 1982, 1984 y 1986 viaja a Cuba cumpliendo un sueño de la infancia: la de residir en una isla en la que sus habitantes vivieran en estado de arte -sin que todos fueran artistas- y de bondad.

En 1987 regresa nuevamente para instalarse allí por dos años donde es nombrada Catedrática de su Instituto Superior de Arte y para ser Jurado del Concurso Internacional de Guitarra de La Habana en 1988. Leo Brower, el famoso compositor, director y guitarrista, es el promotor de todo.

El 30 de mayo es nombrada miembro Honoris Causa de la Universidad de La Habana. Tiene en ese entonces ochenta años pero su vitalidad sigue intacta. Fue mimada por el público, una constante, en todas partes donde estuvo.

En 1989 recibió el Premio Konex de Brillante como una de las mejores instrumentistas de cuerda punteada en la historia de la música clásica argentina.

Ha colaborado, entre otras, con la Orquesta Sinfónica Nacional de Rumania, Sinfónica de Radio Tokio, Filarmónica Nacional de Filipinas.
Su peregrinaje artístico fue siempre incesante.

Primera Parte.